In un'epoca in cui l'arte contemporanea sembra oscillare costantemente tra la ricerca della spettacolarità e la necessità di giustificarsi attraverso apparati teorici sempre più complessi, esistono artisti che scelgono una strada differente, meno allineata alle logiche del sistema e, proprio per questo, più capace di lasciare un segno duraturo. Mario Vespasiani appartiene a questa categoria. La mostra Cantami o Musa, allestita contemporaneamente negli spazi di Palazzo Kursaal, del Museo Fazzini e del Museo dell'Illustrazione Contemporanea di Grottammare, sino al 2 agosto, non rappresenta semplicemente una nuova tappa del suo percorso, ma offre l'occasione per riflettere su una figura che, nel panorama italiano, occupa una posizione singolare e difficilmente assimilabile alle categorie con cui siamo abituati a leggere l'arte del presente. Non tanto perché la sua pittura continui a rinnovarsi sul piano tecnico, iconografico e linguistico, quanto perché tutta la sua opera appare costruita intorno a un'idea ormai rara: quella dell'arte come forma di conoscenza, come luogo in cui immagini, musica, poesia, filosofia e memoria non costituiscono territori separati ma parti di un'unica esperienza intellettuale.
È forse questa la prima impressione che emerge attraversando Cantami o Musa, più che una mostra, essa appare come un organismo complesso, nel quale ogni elemento rinvia a un altro e nulla può essere compreso isolatamente. Il titolo stesso, che richiama l'incipit dell'Iliade, non si limita a evocare il mondo classico, ma introduce immediatamente il nucleo più profondo della ricerca di Vespasiani. La Musa non è una figura mitologica da rappresentare né un omaggio erudito alla tradizione occidentale; diventa piuttosto il simbolo dell'immaginazione come forza originaria della creazione, presenza invisibile che accompagna ogni autentico processo artistico e che continua a interrogare l'uomo contemporaneo. Da questa intuizione prende forma un percorso nel quale il paesaggio adriatico, il mare, il viaggio, la memoria personale e il patrimonio simbolico del Mediterraneo si fondono in una narrazione che parla del presente attraverso immagini antiche, restituendo al mito la sua funzione originaria di linguaggio universale.
Se esiste una caratteristica che distingue Mario Vespasiani nel panorama dell'arte contemporanea, essa non consiste semplicemente nella qualità della sua pittura, quanto nel saper costruire un universo culturale coerente, nel quale ogni linguaggio rappresenta una diversa manifestazione di un unico pensiero. La pittura, nella sua esperienza, non costituisce infatti un linguaggio autonomo né un punto di arrivo, ma il centro gravitazionale di una costellazione creativa che comprende la scrittura, la riflessione filosofica, la musica, la poesia e l'indagine simbolica. Non si tratta di discipline accostate per ampliare il raggio della produzione artistica, secondo una tendenza diffusa nella contemporaneità, ma di strumenti differenti attraverso i quali affrontare le medesime domande sull'uomo, sul tempo, sull'identità, sul mistero e sulla conoscenza. La sua è una concezione che richiama la grande tradizione umanistica dell'artista-intellettuale, capace di attraversare i saperi senza percepirne i confini come barriere. In un momento storico caratterizzato da una crescente specializzazione delle competenze, questa visione restituisce all'opera una sorprendente unità e colloca Vespasiani in una posizione di notevole originalità anche rispetto alla scena internazionale, dove la multidisciplinarità è spesso praticata come contaminazione di media, mentre nel suo caso assume la forma molto più profonda di un pensiero organico.
In questa prospettiva assume un significato particolare il catalogo che accompagna la mostra, il quarantanovesimo della sua carriera. Non si apre con il tradizionale testo critico, ma con un ampio saggio filosofico di Diego Fusaro, cui seguono i testi delle cento canzoni composte dall'artista e raccolte nei cinque album Diario di Bordo, Heart of the Sea, The Aeronaut, Stars and Tears ed Essentia. Un fatto pressoché unico nel panorama artistico italiano, nel quale difficilmente un pittore sviluppa con pari continuità e autonomia una produzione musicale tanto estesa e coerente. Ancora una volta, però, non è la quantità dell'opera a colpire, quanto la sua architettura interna. Le canzoni non illustrano i dipinti, così come i dipinti non traducono in immagini la musica; entrambi procedono parallelamente, costruendo un dialogo che affronta gli stessi nuclei poetici senza mai trasformare un linguaggio nell'illustrazione dell'altro. Ne nasce un sistema culturale complesso, nel quale la pittura continua a essere il cuore pulsante della ricerca, ma trova nella musica e nella scrittura la possibilità di ampliare il proprio orizzonte conoscitivo.
Anche il percorso espositivo riflette questa idea di arte come organismo vivente. La scelta di distribuire la mostra tra Palazzo Kursaal, Museo Fazzini e Museo dell'Illustrazione Contemporanea non risponde soltanto a esigenze di allestimento, ma costruisce una geografia culturale che mette in relazione la ricerca di Vespasiani con la storia artistica di Grottammare e con una delle figure più alte del Novecento italiano, Pericle Fazzini. L'accostamento acquista un significato ulteriore se si considera che pochi mesi fa Vespasiani è stato invitato dalle Guardie Svizzere Pontificie a realizzare l'opera commemorativa dedicata ai cinquecento anni del Sacco di Roma, presentata nell'Aula Paolo VI in Vaticano durante la cerimonia del giuramento alla presenza di Papa Leone XIV, proprio sotto la monumentale Resurrezione di Fazzini. Non si tratta di una semplice coincidenza biografica, ma dell'incontro simbolico fra due artisti appartenenti a generazioni differenti, accomunati dall'idea che l'opera possa ancora aspirare a una dimensione spirituale senza rinunciare alla piena contemporaneità del proprio linguaggio.
È però sul terreno della pittura che Cantami o Musa rivela forse il suo aspetto più innovativo. Chi segue da tempo il lavoro di Vespasiani riconosce immediatamente un'evoluzione che non riguarda soltanto i soggetti affrontati, ma la grammatica stessa del dipingere e ora la materia si alleggerisce, il segno diventa sempre più essenziale, anche i supporti, dalla tela damascata al raso fino ai grandi pannelli di multistrato marino, testimoniano una continua sperimentazione tecnica che non ha nulla di eccessivo, ma nasce dall'esigenza di individuare, per ogni intuizione poetica, la superficie più adatta a restituirne la vibrazione. Il colore esplora un altro territorio inesplorato. Gli azzurri, i turchesi, i coralli, gli ocra e le trasparenze della luce adriatica vengono sottratti a qualsiasi funzione descrittiva per trasformarsi in materia luminosa, capace di evocare il respiro del paesaggio più che la sua immagine. È una concezione cromatica che si inserisce idealmente nella grande tradizione inaugurata da Henri Matisse e proseguita, in forme profondamente diverse, da David Hockney, secondo la quale il colore non riproduce il reale ma lo ricrea, conferendogli una nuova intensità emotiva e spirituale.
Da questa libertà nasce anche l'universo iconografico della mostra dove Sirene, Muse, Medusa, navigatori, divinità femminili, creature marine e figure epiche convivono all'interno di una mitologia personale che evita accuratamente tanto la citazione archeologica quanto il gusto decorativo. Il mito, in Vespasiani, non appartiene al passato; continua invece a manifestarsi come linguaggio attraverso cui interpretare il presente. Le sue figure sembrano emergere da una memoria collettiva che attraversa i secoli e riaffiora nell'immaginazione contemporanea, ricordando come la tradizione non sia un repertorio da conservare ma una materia viva da interrogare continuamente. In questo senso la sua pittura restituisce al simbolo una funzione conoscitiva che l'arte contemporanea ha spesso accantonato, preferendo il commento sociale o l'analisi politica. Vespasiani percorre una strada diversa: non rinuncia al presente, ma lo osserva attraverso la lunga durata della cultura mediterranea, convinto che alcune immagini continuino a custodire significati capaci di parlare anche al nostro tempo.
È probabilmente qui che si misura il valore culturale e sociale di una ricerca come la sua. In una società caratterizzata dalla frammentazione dei saperi, dalla rapidità della comunicazione e da una produzione incessante di immagini destinate a essere consumate con altrettanta velocità, il lavoro di Mario Vespasiani invita a un'esperienza opposta. Chiede tempo, attenzione, ascolto, lettura. Invita a stabilire connessioni tra discipline diverse, a riconoscere nella pittura un luogo in cui la musica può continuare a risuonare, la poesia può prendere forma visiva e la filosofia può trasformarsi in esperienza sensibile. È un atteggiamento che restituisce all'arte una responsabilità educativa nel senso più alto del termine: non quello di documentare il presente, ma di esercitare lo sguardo e il pensiero, ampliando le possibilità di comprensione del reale.
Anche il sito ufficiale che accompagna la mostra, concepito come una vera biblioteca digitale nella quale confluiscono libri, testi teorici, musica, cataloghi e materiali di approfondimento, appare perfettamente coerente con questa impostazione. Non è una semplice estensione promozionale dell'attività dell'artista, ma uno spazio di studio che testimonia la volontà di rendere accessibile il processo di elaborazione della propria ricerca, trasformando l'opera in un laboratorio permanente di riflessione. Un approccio che conferma come la sua produzione non possa essere ridotta alla dimensione espositiva, ma debba essere letta come un sistema culturale complesso, costruito negli anni con una coerenza rara e con una costante tensione evolutiva.
Per tutte queste ragioni Cantami o Musa supera i confini della cronaca artistica e si impone come uno degli episodi più significativi dell'attuale panorama culturale italiano, non solo perché conferma la maturità di un autore che continua a reinventare il proprio linguaggio senza tradire la propria identità, ma perché restituisce all'arte una funzione che sembrava progressivamente affievolita: quella di essere un luogo nel quale le discipline tornano a dialogare, la memoria si trasforma in progetto e la bellezza recupera una responsabilità intellettuale. In un tempo che tende a separare i linguaggi e a specializzare i saperi, Mario Vespasiani compie un gesto controcorrente, ricordandoci che la cultura nasce sempre dall'incontro fra esperienze differenti e che l'opera d'arte, quando riesce a mettere in relazione pittura, musica, poesia e filosofia, può ancora offrirsi come una forma di conoscenza del mondo.
Fino al 2 agosto 2026
Apertura di Palazzo Kursaal: venerdi - sabato e domenica: 18,00 - 20,00
con visite guidate su appuntamento al 333-6361829 (prenotazioni via messaggio)
Sedi espositive
Palazzo Kursaal (sede principale) – Grottammare
Museo Fazzini – Paese alto Grottammare
Museo dell'Illustrazione Contemporanea – Grottammare
c.s.
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| Mario Vespasiani |
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