La grande mostra dell'estate: Mario Vespasiani e l'arte come esperienza totale

Mario Vespasiani e l’arte come esperienza totale

Nel dibattito sull'arte contemporanea una delle domande più ricorrenti riguarda il destino della pittura. Da decenni, a ogni nuova stagione, se ne annuncia il tramonto, la marginalità o l'inevitabile assorbimento da parte delle nuove tecnologie, della fotografia, dell'immagine digitale, dell'installazione e delle pratiche interdisciplinari. Eppure, proprio mentre molti linguaggi sembrano consumarsi nella velocità della comunicazione, la pittura, quella di qualità, continua a riaffiorare come uno dei pochi territori capaci di opporre alla frammentazione del presente un tempo diverso: quello della contemplazione, della costruzione paziente dell'immagine, della profondità dello sguardo. È in questa prospettiva che la mostra Cantami o Musa di Mario Vespasiani, disposta tra Palazzo Kursaal, Museo Fazzini e MIC – Museo dell'Illustrazione Contemporanea di Grottammare, assume un interesse che supera il semplice appuntamento espositivo. L'evento, tra i più significativi dell'estate culturale italiana, offre infatti l'occasione per osservare una ricerca che negli ultimi anni ha compiuto un'evoluzione rara per coerenza e capacità di rinnovamento, senza mai interrompere il dialogo con la tradizione pittorica. Il dato forse più rilevante riguarda proprio la natura dell'innovazione perseguita da Vespasiani. Oggi il termine "innovazione" viene spesso associato all'introduzione di nuovi dispositivi tecnologici, all'impiego dell'intelligenza artificiale, delle immagini immersive o di pratiche performative. La sua opera suggerisce invece una possibilità differente: innovare significa innanzitutto ripensare il linguaggio dall'interno, modificandone la sintassi senza rinunciare ai suoi strumenti fondamentali.

La pittura, nel suo caso, non viene superata; viene continuamente rifondata. È una differenza sostanziale. Se una parte consistente della produzione contemporanea tende a utilizzare il quadro come supporto per idee esterne alla pittura, Vespasiani continua a interrogare la pittura stessa, mettendone alla prova le possibilità espressive, la struttura compositiva, il rapporto tra colore, luce e materia. Ogni ciclo sembra nascere dalla volontà di verificare fino a che punto il dipingere possa ancora produrre immagini capaci di sorprendere senza cedere alla spettacolarizzazione. Questa ricerca trova oggi una maturità evidente. Il segno assume un tocco sempre più raffinato, l’abbinamento cromatico diventa “musicale", la costruzione dell'immagine procede per sottrazione. È una sintesi conquistata attraverso l'esperienza, non una semplificazione formale. Le opere respirano con una naturalezza che appartiene soltanto ai linguaggi pienamente assimilati, quando ogni gesto appare inevitabile e ogni elemento trova la propria necessità interna. Anche il colore conosce un'evoluzione significativa. L'Adriatico, presenza costante nella biografia dell'artista, non viene tradotto in veduta paesaggistica, ma diventa una condizione cromatica. Gli azzurri, i turchesi, i coralli, gli ocra e le trasparenze marine non descrivono un luogo; costruiscono uno spazio mentale. Il colore torna ad assumere quella funzione strutturale che la grande pittura del Novecento aveva posto al centro della propria ricerca, da Henri Matisse fino a David Hockney, senza però trasformarsi in citazione o esercizio stilistico.

Il riferimento ai grandi maestri europei non riguarda dunque la forma delle immagini, ma il loro principio costruttivo: la convinzione che il colore non serva a rappresentare il reale, bensì a generarlo. È proprio questa autonomia della pittura che distingue Vespasiani da molta produzione contemporanea. Le sue opere non cercano di raccontare il mondo attraverso la cronaca o il commento sociale, ma costruiscono un sistema simbolico nel quale il mito continua a svolgere una funzione conoscitiva. Sirene, Muse, Meduse, navigatori, divinità marine e figure archetipiche attraversano i dipinti senza alcuna intenzione illustrativa. Non appartengono all'antichità, ma alla contemporaneità dell'immaginazione. Diventano metafore della conoscenza, della metamorfosi, della memoria, del desiderio e dell'identità. Il mito, anziché essere recuperato come repertorio iconografico, viene restituito alla sua funzione originaria: offrire immagini attraverso cui interpretare l'esperienza umana. È significativo che tutto questo avvenga in una mostra intitolata Cantami o Musa. La Musa non rappresenta semplicemente una figura della tradizione classica; diventa il principio unificante di un'opera che rifiuta la separazione tra i linguaggi. Qui emerge forse l'aspetto più singolare dell'intero percorso artistico di Vespasiani. La sua attività non si esaurisce nella pittura. Da anni sviluppa parallelamente una produzione musicale e poetica che non costituisce un'attività collaterale, ma parte integrante della stessa ricerca. Il catalogo della mostra – il quarantanovesimo della sua carriera – si pregia, anzichè di una prefazione storico-artistica, di un ampio saggio filosofico di Diego Fusaro, seguito dai testi delle cento canzoni composte dall'artista nei cinque album Diario di Bordo, Heart of the Sea, The Aeronaut, Stars and Tears ed Essentia.

Pittura, musica, scrittura e riflessione filosofica procedono come sistemi autonomi, senza mai illustrarsi reciprocamente. Nessuna disciplina spiega l'altra. Tutte convergono verso un medesimo nucleo problematico: il rapporto tra immaginazione, memoria, tempo e trascendenza. È difficile individuare, nell'arte italiana degli ultimi decenni, un percorso altrettanto coerente nella costruzione di un'opera realmente interdisciplinare, dove i diversi linguaggi mantengano piena autonomia senza dissolversi in una generica contaminazione. Anche il momento biografico contribuisce a collocare questa mostra in una fase significativa della sua carriera. Il recente invito ricevuto dalle Guardie Svizzere Pontificie per realizzare l'opera commemorativa del cinquecentenario del Sacco di Roma, presentata nell'Aula Paolo VI alla presenza di Papa Leone XIV, assume un valore che supera il riconoscimento istituzionale. L'opera viene infatti collocata nello stesso spazio dominato dalla monumentale Resurrezione di Pericle Fazzini, quasi a suggerire un ideale dialogo tra due artisti piceni appartenenti a stagioni diverse della cultura italiana. Ma il punto centrale rimane un altro. In un sistema dell'arte spesso orientato verso la produzione di eventi, Vespasiani continua a scommettere sulla profondità dell'opera. In un contesto nel quale prevale la provocazione dell'arte, lui continua a lavorare sulla costruzione del significato. In un tempo dominato dall'immediatezza, restituisce valore alla durata.

La sua innovazione non consiste nello stravolgere la pittura, ma nel dimostrare che essa possiede ancora risorse inesplorate. È una posizione che appare quasi controcorrente, non perché rappresenta un ritorno nostalgico al passato, ma perché riafferma una possibilità spesso trascurata: che la tradizione possa continuare a produrre futuro. La vera modernità, in fondo, non coincide necessariamente con ciò che è nuovo, bensì con ciò che riesce ancora ad ampliare il nostro modo di vedere. Se questo è il compito dell'arte, la ricerca di Mario Vespasiani merita di essere osservata non come un episodio isolato, ma come uno dei tentativi più coerenti di restituire alla pittura il ruolo che storicamente le appartiene: non quello di semplice linguaggio visivo, ma quello di strumento di conoscenza. Ed è per questa la ragione per cui Cantami o Musa non si limita a presentare una inedita serie di opere, ma piuttosto, un'idea di arte nella quale il dipingere torna a essere un atto di pensiero, un'esperienza intellettuale e sensibile insieme, capace di ricomporre quelle fratture tra immagine, musica, poesia e filosofia che la cultura contemporanea ha spesso contribuito a separare, per tale motivo, in tempi di specialismi e linguaggi autoreferenziali, la ricerca di Mario Vespasiani rappresenta una delle più convincenti espressioni d’avanguardia culturale.

C.S.

Mario Vespasiani