Esiste una domanda che attraversa tutta la storia dell’umanità e che precede religioni, ideologie e sistemi politici: perché l’uomo crea? Non per semplice necessità materiale, né per sopravvivenza, l’arte nasce infatti in uno spazio ben più profondo, in quella soglia misteriosa in cui l’essere umano comprende che la realtà visibile non basta a contenere il reale.
È da lì che derivano le pitture rupestri, i poemi, le cattedrali, la musica, le arti visive, in quanto ogni autentico atto creativo è, prima di tutto, un tentativo di dare forma all’invisibile. Nelle civiltà antiche l’arte non era mai semplice decorazione o intrattenimento, era un ponte tra l’uomo e il trascendente, uno strumento di elevazione spirituale e di conoscenza del mondo. Molte grandi opere di un passato anche relativamente vicino, non miravano ad esaltare il nome dell’artista o del mecenate, ma a condurre chi le contemplava verso una dimensione più alta della coscienza. Le piramidi egizie erano costruzioni simboliche che mettevano in relazione cielo e terra; le icone bizantine non volevano imitare la materia ma aprire una finestra sull’eterno; le cattedrali gotiche erano pensate per trasformare interiormente l’essere umano attraverso la luce, le proporzioni e il senso di verticalità. L’arte era dunque una forma di conoscenza iniziatica, capace di guidare l’uomo verso la comprensione di sé e del proprio posto nell’universo.
Opera di Mario Vespasiani
Oggi, invece, viviamo in un’epoca paradossale: produciamo immagini in quantità pressoché illimitata, ma raramente esse riescono ad “aprire” uno spazio di contemplazione. L’arte contemporanea, troppo spesso, viene consumata come qualsiasi altro prodotto, misurata in termini di mercato, visibilità, provocazione e come prova basta vedere ciò che propongono vari musei, ciò che viene sostenuto da tante fondazioni private o come vengono orientati certi premi. L’opera perde profondità e si trasforma in contenuto rapido, destinato a essere sostituito immediatamente da altro, rimane la tecnica, talvolta persino evoluta, ma scompare la tensione verticale, quella capacità di elevare l’essere umano oltre il rumore del quotidiano e senza questa dimensione, l’arte non illumina più, distrae. Eppure il bisogno del sacro non è mai scomparso, l’uomo contemporaneo continua ad avvertire una nostalgia profonda di significato, anche se spesso confonde il desiderio di esistere con quello di visibilità, quello di spendersi con quello del consumo, di riconoscersi col riconoscimento sociale. È proprio in questa dissociazione che l’arte potrebbe ritrovare la sua funzione originaria, non inventando necessariamente nuovi linguaggi, ma tornando a essere uno strumento di riconnessione con l’essenziale, perché ogni autentico atto creativo nasce da un dialogo con l’origine, in quanto l’artista non è soltanto colui che produce forme, ma colui che entra in ascolto di qualcosa che lo supera. Le più grandi opere della storia non sono nate dall’ossessione dell’originalità, bensì da uno stato di connessione profonda con il mistero dell’esistenza.
L’arte, nella sua espressione più alta è sempre stata uno strumento di evoluzione della coscienza, non evolve soltanto la tecnica o il gusto estetico: fa trascendere lo sguardo umano. Una grande opera “modella” interiormente chi la incontra, interrompe per un istante il flusso meccanico dei pensieri e costringe a vedere il mondo in modo diverso, ulteriore. È questo il motivo per cui l’arte autentica non può limitarsi a confermare la realtà così com’è; il suo compito è aprire possibilità dell’essere, ricordare all’uomo che esiste una risonanza oltre la superficie delle cose. Quando una civiltà perde il senso simbolico dell’arte, smarrisce inevitabilmente anche la meraviglia e una società incapace di “sentimento” affievolisce velocemente anche la propria fiamma presente nell’interiorità di ciascuno. Ma l’essere umano pur ridotto a consumatore, identità generica, può servirsi dell’arte come forma di resistenza: contro la superficialità, la velocità che annulla il pensiero, contro la convinzione che tutto debba avere un’utilità immediata. Creare significa invece affermare che nell’uomo esiste qualcosa che sfugge al calcolo e che continua a cercare negli spiragli dell’assoluto. Il mistero, infatti, non è incognita, ma consapevolezza che la realtà possieda livelli che non possono essere completamente spiegati e l’arte è una custode di tale spazio invisibile, in cui in assenza di risposte definitive come: chi siamo, da dove veniamo, quale significato possiede la nostra esistenza, ci apre a dei concetti eterni e universali.
L’arte che col mio lavoro sto testimoniando vuole tornare a essere educazione dello sguardo e cura dell’anima, non soltanto espressione estetica, richiamo sociale, esperienza immersiva, ma capacità di contemplare, ascoltare e percepire le connessioni profonde tra le cose. In un’epoca dominata dalla distrazione permanente, che sia di natura commerciale, sociale, climatica, economica e perfino sanitaria, la contemplazione appare come un atto pericoloso, che il sistema ad “una dimensione” teme. Allora solo chi sa soffermarsi su quella soglia può realmente conoscersi e solo attraverso questa conoscenza interiore l’uomo può evolvere. Ogni grande artista è stato, in fondo, un esploratore della coscienza. Da Dante a Beethoven, da Michelangelo a Van Gogh, il loro lavoro non consisteva semplicemente nel creare opere originali, ma nel tentativo di avvicinarsi a una verità più alta e allora l’arte diventava così una via verso il trascendente, una scala invisibile capace di collegare la materia all’Eterno. Ed è proprio questa la missione più urgente dell’arte contemporanea: smettere di essere soltanto fragore mediatico, vanto economico e shock estetico per tornare a essere rivelazione. Non si tratta di produrre altre immagini da esaltare rapidamente, ma opere capaci di restituire presenza, silenzio e profondità. Perché la più grande crisi del nostro tempo non è soltanto quella narrata dai media: è un'eclissi di significato, in quanto l’uomo ha pressoché chiuso il rapporto con l’aspetto sacro del vivere. Ma l’arte che sopravvive in certe “riserve e tra i pionieri” può ancora rappresentare uno degli ultimi avamposti in cui questa tensione nello spingersi verso “l’invisto” ancora è viva. Avendo a mente che l’opera autentica non nasce per compiacere, ma per rivelare, non è escluso che talvolta possa inquietare e persino ferire, in quanto sensibilizza, e poi trasforma. L’arte vera non ci lascia mai identici a prima: ci obbliga a ricordare che dentro ogni essere umano arde una nostalgia dell’assoluto. Ogni gesto artistico è un tentativo di ritornare alla fonte, di riconnettersi con l’origine invisibile da cui tutto proviene, non è quindi un lusso della civiltà, ma una necessità spirituale. È il linguaggio attraverso cui l’anima cerca di riconoscersi nel mondo, è la memoria di una dimensione perduta, la possibilità, ancora oggi, di elevare l’essere umano verso una coscienza più ampia, più viva, più vera.
Brilla nel suo essere una traccia del Divino dentro la materia e dato che l’uomo non crea dal nulla e nessun artista “inventa” l’essenza della bellezza, della luce, dell’armonia, egli è tuttavia dotato di “segnali” che l’intercettano, l’ascoltano, la traducono. Ogni autentica opera nasce da un’intuizione che supera l’individuo, da una scintilla invisibile che attraversa la coscienza umana e prende forma nel mondo, per questo l’arte, quando è autentica, possiede sempre qualcosa di “sacro”: perché non appartiene soltanto all’uomo, ma a ciò che nell’uomo è più vicino al Creatore. L’arte vera è la Sua emanazione, è il riflesso di un’origine superiore che continua a manifestarsi attraverso il gesto creativo. Nella musica, nella pittura, nella poesia, nell’architettura, l’essere umano tenta inconsapevolmente di ricomporre la frattura tra terra e cielo, tra finito e infinito, tra se stesso e la fonte da cui proviene. Ogni grande opera è allora un richiamo, una memoria, una porta aperta verso ciò che trascende il tempo e la materia, per questo di fronte all’Arte non ci si può soffermare all’osservazione, in quanto trasforma, risveglia nell’uomo la percezione di appartenere a qualcosa di più grande, di non essere soltanto corpo, consumo, funzione sociale o identità temporanea. Si viene ricondotti nell’unità dove persiste una scintilla della stessa forza creatrice che genera il cosmo. Il destino ultimo dell’arte a mio avviso è proprio questo: ricondurre l’essere umano verso l’Origine da cui proviene, non come evasione dalla realtà oggettiva, ma come ritorno alla verità più profonda dell’esistenza, perché ogni autentico atto creativo è, in fondo, una “preghiera della materia”, un flusso tramandato da ogni generazione, che tenta di ritrovare la fonte dalla quale ha iniziato a scorrere.
Opera di Mario Vespasiani
Articolo di Mario Vespasiani
Mario Vespasiani, 1978 è un artista visivo e intellettuale italiano. Sono state dedicate al suo lavoro quarantotto pubblicazioni personali. Le sue opere sono state esposte in tutta Italia in gallerie, musei e luoghi sacri. I libri Planet Aurum, The Gentleman in the World of Art e Diario di Bordo sono le sue tre opere letterarie. È l’unico artista ad essere stato invitato ad esporre al Museo Storico dell’Aeronautica Militare di Vigna di Valle, al Museo Storico Aeronautico di Loreto, al Museo Storico dell’Arma dei Carabinieri e al Museo del Gruppo delle Medaglie d’Oro al Valor Militare d'Italia in Roma ed in quella occasione gli è stata conferita la targa del Gruppo MOVM, il 4 dicembre 2024 è avvenuta la presentazione della sua opera dedicata alla patrona della Marina Militare. Nel 2023 presso l’auditorium comunale di San Benedetto del Tronto è stato insignito del premio Riviera delle Palme per il valore artistico e umano. Il Presidente della Repubblica Sergio Mattarella lo ha definito straordinario per l’uso dei colori. È il solo artista della sua generazione ad aver esposto in dialogo con maestri quali Mario Schifano, Osvaldo Licini, Lorenzo Lotto, Mario Giacomelli e Francisco Goya. Ha ideato con la musa Mara la rassegna sul pensiero contemporaneo Indipendenti, Ribelli e Mistici giunta alla sesta edizione. Il suo quarantesimo libro è stato presentato al Museo MACRO di Roma e la sua trilogia Mara as Muse alla Galleria d’Arte Moderna di Roma. Il 10 dicembre 2025 è avvenuta la presentazione della sua opera dedicata alla patrona dell'Aeronautica Militare. È autore di un ciclo di interviste ai grandi protagonisti della cultura e dell’eccellenza italiana, presenti con le loro pubblicazioni nella biblioteca del suo studio. Ha inventato due giochi con le carte a scopo didattico AbeceMario e Univium. Nel Natale 2025 è uscito il libro Elysium di Mara nel quale per la prima volta una musa parla in tempo reale del suo artista. Nel 2026 è stato l’unico italiano scelto dalle Guardie Svizzere Pontificie a celebrare i 500 anni dal Sacco di Roma, in occasione del loro giuramento alla presenza di Papa Leone XIV. Conosciuto per la sua capacità di sperimentare, ha realizzato delle canzoni come ulteriore forma visionaria delle opere, cento delle quali sono racchiuse in cinque album. Sono state gettate le basi del museo a lui dedicato che si aprirà a Ripatransone nelle Marche, tra i più innovativi in Italia nella fruizione che intreccia arte e natura: www.theMVseo.com
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